Elefantes de Papel

Lifecycles

Bookman — Wed, 04 Jan 2012 18:53:15 +0000

Presentamos una maravillosa guía ilustrada de los ciclos vitales de algunos organismos fascinantes. Estos ciclos de vida fueron seleccionados e ilustrados por Manvir Singh, un estudiante en Zoología invertebrada. Manvir es también el autor de The Evolutionist’s Doodlebook.

Lifecycles se distribuye bajo una licencia Creative Commons y está disponible para su descarga en archive.org. Si estás interesado en la compra de una versión impresa, ponte en contacto con: manvir_singh@brown.edu.

Liber Floridus

Bookman — Sat, 24 Dec 2011 14:46:23 +0000

Liber Floridus (“El libro de las flores”) es una enciclopedia medieval que fue compilada entre 1090 y 1120 por Lambert, el canónigo de Saint-Omer. Contiene una historia universal, un registro cronológico de saberes hacia el año 1119. Estos son de la Biblia, astronómicos, geográficos, historia filosófica y natural. Lambert escribió Liber Floridus originalmente en latín, y más tarde fue traducido al francés, Le Livre fleurissant en fleurs.

El floridus Liber fue la primera de las enciclopedias de la Alta Edad Media que poco a poco sustituyó a la obra de Isidoro de Sevilla. El manuscrito original, terminado en 1120 y dedicado a Saint Omer por Lambert, se ha conservado en Gante, aunque su última parte no ha sobrevivido. Una copia se encuentra en la Bibliothèque Nationale, París. También hay una copia en la Herzog August Bibliothek, en Wolfenbüttel, Alemania. Puede haber hasta seis copias existentes adicionales de los manuscritos, que datan del siglo XII al XVI, producidas en Francia o Flandes. Liber Floridus tiene la reputación de ser una de las enciclopedias más famosas de la Edad Media.

Via: Wikipedia

Más información e imágenes del manuscrito: http://www.liberfloridus.be/

En l’an 2012

Bookman — Fri, 23 Dec 2011 15:50:21 +0000

Desde el maravilloso blog de Paleofuture traigo estas ilustraciones de 1912 donde se imagina la vida futura en el 2012. Resulta tremendamente curioso ver cómo imaginaban nuestros abuelos que sería nuestro presente.

En 1912 (un año más recordado por el hundimiento del Titanic) la empresa de chocolates Lombart encargó unas tarjetas ilustradas con temática futurista para ser incluidas con su confitería. (Las tarjetas fueron producidos por la familia de impresores Norgeude, que tenía una reputación en Francia para hacer el trabajo de alta calidad.) La serie de seis cartas a continuación fue llamada “En l’an 2012″, que se traduce como “en el año 2012″. Como era de esperar, las tarjetas de Lombart comparten un tema común: cómo la tecnología del futuro permitirá a la tarea de la compra de cantidades cada vez mayores de chocolate Lombart.

Estás imágenes y más pueden encontrarse en el libro “The History of the Future: Images of the 21st Century de Christophe Canto y Odile Faliu”.

Las fabulas de Esopo

Bookman — Fri, 23 Dec 2011 15:37:46 +0000

Edward Julius Detmold (1883- 1957) era hermano gemelo de Charles Maurice Detmold (1883-1908). Ambos formaron parte de la Edad de Oro de la ilustración. Fueron criados en Londres por su tío materno, el Dr. E.B Shuldham, y se introdujeron en el arte desde una edad temprana a través de los amplios intereses de sus tutores en este campo, que incluía una colección en madera de fauna y flora japonesa. Los hermanos también se beneficiaron del tiempo que pasaron con otro tío, el artista Henry E. Detmold, que se cree que también alentó los intereses artísticos de ambos. En tal ambiente, las habilidades artísticas de los gemelos estaban muy desarrolladas, hasta el punto de que sus primeros trabajos datan de los 13 años con una muestra en la Royal Academy y en el Royal Institute of Watercolour Painters.

La fama de los hermanos se extendió rápidamente después de su debut debido a las ediciones limitadas, producidas en pequeñas cantidades a través de entregas privadas muy bien consideradas. The Jungle Book (El libro de la selva) en 1908 iba a ser el último trabajo conjunto de los hermanos debido a la muerte de Charles en ese mismo año. El extraordinario éxito de sus ilustraciones para acompañar el cuento clásico de Kipling, sin embargo, estableció firmemente la reputación de Edward y al año siguiente, realiza las ilustraciones para Fables of Aesop (las fábulas de Esopo).

Durante más de una década después de la muerte de su hermano, Edward se centra en ilustraciones de la naturaleza que margina hasta cierto punto su popularidad, pero su arte se siguió publicando en diversos libros, entre ellos: Birds and Beasts (1911), The Life of the Bee (1911), Hours of Gladness (1912), The Book of Baby Pets (1913), The Book of Baby Birds (1915), Birds in Town and Village (1919) and Fabre’s Book of Insects (1921), Our Little Neighbours (1921) y Rainbow Houses (1923)

Via: odisea2008

Ver libro entero: aquí

El libro de la selva

Bookman — Fri, 23 Dec 2011 15:37:37 +0000

Via: odisea2008

Ver libro entero: aquí

Fausto

Bookman — Sat, 10 Dec 2011 02:28:23 +0000

Aparte de su producción pictórica, Eugène Delacroix dejó una estimable producción gráfica, principalmente litografías. En 1825 grabó al menos cinco planchas sobre “medailles antiques”, en realidad dracmas y demás monedas griegas. En 1827 grabó otra serie inspirada en la novela “Fausto” de Goethe, a quien efigió en una litografía. La portada de esta serie guarda similitudes (seguramente no casuales) con “Los Caprichos” de Goya. Posteriormente dedicó otra serie al drama “Macbeth” de Shakespeare.

Actualmente pueden verse muestras de esta obra gráfica, incluso primeras tiradas con anotaciones en la exposición “Delacroix” que se realiza en el Caixaforum de Madrid (hasta el 15 de Enero).

Caricaturas de Germania

Bookman — Thu, 17 Nov 2011 00:43:42 +0000

Idea de la entrada y mayoría de imágenes gracias a nuestro amigo outarquias.

Fuente del texto: http://klimtbalan.wordpress.com/ :

Neoclásica y grande, ¡muy grande! Así debía ser la ciudad soñada por Hitler. Uno de sus edificios principales sería una sala de reuniones gigantesca con una cúpula de casi 300 metros de altura. Si se sostenía o no, o si la acústica era buena, son preguntas que no se pueden responder y que, en su momento, no debían de interesar demasiado. Además de la sala de reuniones y un gigantesco arco del triunfo para celebrar la que daban como victoria segura, Germania también tendría una larga avenida, al estilo de los Campos Elíseos pero mucho más larga, para que los desfiles militares brillasen como debían. Hitler quiso conquistar el mundo y crear un imperio que nada tuviese que envidiar al de la Roma clásica o al de Carlomagno. Una ambición de tal medida debía tener una capital a su altura.

Hans Stephan fue uno de los encargados de diseñar Germania, pero, entre plano y plano, realizó una serie de dibujos satíricos sobre el proyecto del dictador. La idea de crear una ciudad desde cero puede ser una idea tentadora para cualquier arquitecto. Sin embargo, si eso supone derribar la anterior, las cosas cambian. Stephan ironizó sobre este aspecto en muchos de sus dibujos satíricos. Los dibujos a plumilla de Stephan retratan edificios colosales, grúas amenazantes y un orden simétrico que a veces se ve interrumpido por la violencia. Una nueva puerta de Brandenburgo con una balanza de la justicia que se inclina sospechosamente. Hitler imaginó una ciudad a la altura de sus ansias de grandeza. Berlín pasaría a convertirse en Germania, una capital del imperio con edificios de hasta 290 metros de altura.

Aunque parezca mentira, Stephan decoraba las paredes de su despacho con estos dibujos. Incluso Albert Speer, el director del proyecto y uno de los grandes hombres de Hitler, conocía su existencia y no ponía objeción. De cualquier manera, el arquitecto no pensaba sacarlas a la luz hasta que la imponente Germania no estuviese en pie.

Geometria et Perspectiva

Bookman — Sun, 06 Nov 2011 23:58:38 +0000

El artista responsable de la notable colección de diseños geométricos es Lorenz Stöer (c.1537-c.1621), de quien poco se sabe con certeza. Nació en Nuremberg y se trasladó a Augsburgo en 1557. Es descrito como pintor y dibujante, y pudo haber sido el hijo de un ebanista. Hasta hace relativamente poco, el principal legado Stöer se cree que han sido las once ilustraciones que muestran combinaciones de sólidos regulares y semi-regulares en los paisajes de fantasía con formas ornamentales.Este conjunto de diseños excéntricos fue publicado bajo el título ”Geometria etPerspectiva”, en 1567. ”Geometria et Perspectiva” fue lo suficientemente popular como para justificar la publicación de una segunda edición, pero es difícil evaluar el grado de influencia que el libro tuvo para los trabajadores y trabajadoras de marquetería. Tal vez su principal efecto fue la inspiración conceptual.

El libro – que no incluía casi texto - incluía la siguiente nota:

“Aquí están algunos edificios en ruinas, de utilidad para los ebanistas de trabajo
en madera con incrustaciones, y por el placer especial de muchos otros aficionados,
organizado y presentado por Lorenz Stöer , pintor y ciudadano de Augsburgo ’.

Via: bibliodyssey

Minotaure: portadas

Bookman — Sun, 06 Nov 2011 20:11:39 +0000

En 1933 Albert Skira, un joven editor de libros de arte, dio a conocer los dos primeros números de una revista que, a pesar de que sólo duraría seis años, sigue siendo hasta hoy una de las publicaciones más impresionantes de su clase. Se llamaba Minotaure, una lujosa revista muy cercana a los ideales del surrealismo y con una lista de colaboradores verdaderamente abrumadora, tanto por la cantidad como por la calidad: Breton, Picasso, Éluard, Miró, Chagall, Bataille, Magritte, Lacan, Matisse , Queneau, Duchamp, Man Ray, De Chirico, Dalí, Giacometti, Ernst, Rivera, Masson, Balthus, Matta, Bellmer, Arp, Brassaï, Huxley, Kandisnky, Jung, y muchos otros …

Cita: “Lleno de reproducciones en color y blanco y negro de una excelencia técnica inusual para la época, Minotaure apareció por primera vez en junio de 1933, y continuó a través de trece números, cerrando la publicación en el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Los editores se pusieron a la difícil tarea de dar testimonio de los diferentes movimientos del arte contemporáneo, a través de texto e imagen, lo que demuestra la interacción entre las artes visuales, la literatura y la ciencia. Así Minotaure documentó el vasto panorama de la década de 1930, y sirvió como un foro de encuentro y debate … Cada número de Minotaure incluyó contribuciones de artistas, escritores, filósofos, críticos, psicoanalistas y los etnólogos, y estaba destinado a ser leído como una obra colectiva. “

Portadas de Minotaure:

Codex Canadensis

Bookman — Tue, 20 Sep 2011 16:03:34 +0000

El Codex canadensis es un documento de 79 páginas escrito presuntamente alrededor del año 1700 por un misionero francés llamado Louis Nicolas, aunque no está del todo claro que Nicolas fuera el creador. El códice está ilustrado con 180 dibujos, que describen las plantas, mamíferos, aves y peces de Canadá. Una extraordinaria visión de como los primeros exploradores europeos se fascinaron con el Nuevo Mundo americano llegando a mezclar la documentación científica con mitos y leyendas.

En BibliOdyssey podemos ver otras ilustraciones de como veían los europeos a los nativos americanos: aquí.

DE HUMANA PHYSIOGNOMONIA LIBRI IIII

Bookman — Fri, 09 Sep 2011 02:18:25 +0000

Giambattista della Porta (1535-1615), también conocido como Giovanni Battista Della Porta y Juan Bautista Porta, fue un estudioso erudito y escritor italiano que vivió en Nápoles, en el momento de la revolución científica y de la Reforma.Estas son las páginas de su tratado sobre la fisonomía humana.

Mécanisme de la Physionomie Humaine

Bookman — Fri, 09 Sep 2011 01:53:14 +0000

Mediante la aplicación de electrodos a hombres y mujeres voluntarios, Duchenne fue capaz de activar los músculos individuales en la cara. Vio el rostro humano como un mapa, las características de lo que podría ser codificado en taxonomías universales de los estados internos, donde cada músculo representa un”movimiento del alma”. Hizo una lista de 53 emociones que pueden ser clasificados en términos de acción muscular.

Sistema de Fisionomía

Bookman — Wed, 17 Aug 2011 22:06:23 +0000

Charles Le Brun (París, 24 de febrero de 1619 - ídem, 22 de febrero de 1690) fue un pintor y teórico del arte francés, uno de los artistas dominantes en la Francia del siglo XVII.

Nacido en París, llamó la atención del canciller Séguier, quien le colocó en el taller de Simon Vouet cuando apenas tenía once años de edad. A los quince ya recibió encargos del Cardenal Richelieu, en cuya ejecución mostró tanta habilidad que obtuvo generosas alabanzas de Nicolas Poussin. Pasó posteriormente a Roma, ciudad donde permaneció entre 1642 y 1646. Conoció la obra de Rafael, y siguió a Guido Reni y los maestros de la Escuela Boloñesa. Allí vivió gracias a una pensión del canciller. Fue en Roma discípulo de Poussin, cuyas teorías artísticas adoptó y que influyó grandemente en su obra.

De vuelta a París, estuvo bajo la protección del cardenal Richelieu. Con Philippe de Champaigne, consiguió del rey la fundación de la Academia de Pintura y Escultura (Académie royale de peinture et de sculpture) en el año 1648. Otros cofundadores de la institución fueron Sébastien Bourdon y Laurent de La Hyre.

De sus numerosos mecenas, el superintendente de las finanzas del rey, Nicolás Fouquet, fue el más importante; Fouquet le encargó la decoración del Palacio de Vaux-le-Vicomte (1656-1661). De su primera época la obra más importante es la decoración del Palacio del cardenal Richelieu, hoy perdido.

Entre 1650 y 1660 Le Brun adquiere su madurez estilística, realizando una pintura de corte clasicista y elegante, cuyas mejores obras son:La Magdalena, el Cristo en el desierto y la Crucifixión, así como los ciclos decorativos del Hôtel Lambert, el castillo de Vaux-le-Vicomte, lasTullerías y sobre todo Versalles.

Por aquel entonces, Mazarino estaba enfrentando en secreto a Colbert contra Fouquet. Tras la caída de Fouquet en 1661, Jean-Baptiste Colbert se hace cargo de las finanzas del rey. Colbert rápidamente reconoció el poder de organización de Le Brun, y lo unió a sus intereses.

La naturaleza de su talento enfático y pomposo estaba en armonía con el gusto del rey, quien, lleno de admiración por las pinturas de Le Brun para su triunfal entrada en París en 1660 y sus decoraciones en el Palacio de Vaux-le-Vicomte (1661), le encargó que ejecutara una serie sobre temas de la historia de Alejandro. El primer cuadro, Alejandro y la familia de Darío, gustó tanto a Luis XIV que ennobleció a Le Brun (diciembre de 1662), a quien nombró igualmente Premier Peintre du Roi (Primer Pintor del rey) en 1664 con una pensión de 12.000 libras, la misma cantidad que había recibido anualmente al servicio del magnífico Fouquet. El rey le había considerado «el artista francés más grande de todos los tiempos». En la serie sobre lasBatallas de Alejandro Magno Le Brun no perdió la oportunidad de poner de relieve la conexión entre la magnificencia de Alejandro y la del gran Rey Sol. Mientras trabajaba en las Batallas, el estilo de Le Brun se hizo más personal, revelando su esencia conforme se iba apartando de los antiguos maestros que lo influyeron.

Le Brun, con Colbert, promovió un nuevo desarrollo de las artes industriales. En 1660 había contribuido a la creación de la Manufactura de los Gobelinos (Manufacture des Gobelins). A partir de 1663 actuó también como director de la manufactura. Al principio se dedicaban no sólo a los tapices, sino a todo tipo de mueble requerido para los palacios reales, incluidos espejos y porcelanas. Mandando en las artes industriales a través de los gobelinos, de los que era director, y de todo el mundo artístico a través de la Academia, en la que tuvo diversos cargos, Le Brun infundió su propio carácter en todo lo que se produjo en Francia durante su vida, y fue el creador del Estilo Luis XIV. Imprimió a las tendencias nacionales una dirección que perduró durante los siglos posteriores.

Desde esta fecha, todo lo que se hacía en los palacios reales fue dirigido por Le Brun. En 1663, fue nombrado director de la Académie royale de peinture et de sculpture por Colbert, donde estableció las bases del academicismo, siendo el maestro indiscutible y más poderoso del arte francés del siglo XVII. En 1666 se fundó la Academia de Francia en Roma, de la que fue nombrado director.

Via: Wikipedia

De regalo, el libro de Le Brun, “Methode pour apprendre à dessiner les passions”, por cortesía de Google Books.

Carteles

Bookman — Wed, 17 Aug 2011 22:04:48 +0000

Jules Chéret (31 de mayo de 1836 – 23 de septiembre de 1932) fue un pintor y litógrafo francés que se convertiría en un maestro del arte del cartel.

Nació en París, Francia en una familia de artesanos pobres pero creativos, una carencia económica que significó que Jules Chéret tuviese una educación muy limitada. A los trece años, comenzó un aprendizaje de tres años con un litógrafo y entonces su interés por la pintura lo llevó a tomar un curso de arte en la École Nationale de Dessin.

Como la mayoría de artistas novatos, Chéret estudió las técnicas de varios artistas, antiguos y modernos, visitando los museos de París. Aunque algunas de sus pinturas le dieron cierto respeto, fue su trabajo de crear carteles de anuncios lo que le permitió pagar sus cuentas y que se convirtió después en objeto de su dedicación y por lo que es recordado hoy. Influenciado por las frívolas escenas representadas en las obras de Jean-Honoré Fragonard y otros artistas rococós tales como Antoine Watteau, Chéret creó el cartel vívido para los cabarets, teatros de variedades y los teatros como Eldorado, elParis Olympia, el Folies Bergère, el Teatro de la Ópera, el Alcazar d’Ete y el Moulin Rouge. Debido a la gran demanda, amplió su negocio para proporcionar los anuncios para las representaciones de compañías itinerantes, festivales municipales y luego para las bebidas y licores, perfumes, jabones, cosméticos y productos farmacéuticos. Eventualmente se convirtió en una importante fuerza de publicidad, sumando a las compañías de ferrocarriles y un buen número de negocios de fabricación a su lista de clientes.

Via: Wikipedia

Más obras de Jules Chéret en: www.jules-cheret.org

Varias estampas

Bookman — Wed, 17 Aug 2011 16:07:37 +0000

Frank Auerbach fue uno de los representantes de la llamada Escuela de Londres, un grupo de artistas amigos entre los que se encontraban Francis Bacon, Lucian Freudy Leon Kossoff que mostraron un gran interés por la representación de la figura humana

De. origen judío, Auerbach nació en Berlín y en 1939 fue enviado a Inglaterra para escapar de la Alemania nazi. Creció en Kent, en una escuela para niños judíos refugiados que fue trasladada a Shropshire durante la Segunda Guerra Mundial. Desde 1948 estudió en la StMartin’s. School of Art y acudió a las clases nocturnas de David Bomberg en la Borough Polytechnic. Durante estos años de formación, en los que estableció amistad con Kossoff, aprendió la importancia de representar las formas de manera orgánica y unitaria. Desde 1952 a 1955 acudió a clases en el Royal College of Art y un año después la Beaux Arts Gallery de Londres celebró su primera exposición individual. Su técnica empastada, que enfatizaba la gestualidad de la pincelada y que dotaba a la obra de una gran tridimensionalidad, recibió muchas críticas de los que pensaban que se acercaba más al carácter de una escultura que al de la pintura, pero encontró el importante apoyo del crítico David Sylvester. Desde 1965 expuso en la galería Marlborough y en 1978 la Hayward Gallery organizó una muestra individual de su obra

Auerbach. ha trabajado los mismos temas a lo largo de décadas. Su interés por el retrato se ha centrado en representar a personas que conocía bien y, en la mayor parte de los casos, se ha reducido a tres modelos: su mujer Julia, la modelo profesional Juliet Yardley Mills (J. Y. M.) y su amiga Estella West (E. OW). Asimismo, sus paisajes suelen representar los alrededores de su estudio en Camden Town en el que trabaja desde 1954.

[Via Thyssen]

Moby Dick

Bookman — Sat, 13 Aug 2011 11:38:46 +0000

Rockwell Kent (1882-1971) fue un pintor americano, grabador, ilustrador y escritor. En 1930 ilustró la obra maestra de Herman Melville, Moby Dick, en una edición limitada original de tres volumenes. Poco después se comercializaron ediciones más asequibles ayudando a popularizar la historia de la gran ballena, que hasta ese momento no era tan conocida.

Carceri d’Invenzione

Bookman — Sun, 17 Jul 2011 17:17:03 +0000

Sus entusiastas reproducciones e interpretaciones de antiguos monumentos romanos supusieron una importante contribución para la formación y desarrollo del neoclasicismo. En estos grabados se incluían imágenes fidedignas y exactas de las ruinas existentes, al igual que reproducciones imaginarias de antiguos edificios en las que la alteración de la escala y la yuxtaposición de elementos contribuyen a realzar el carácter de grandiosidad de los mismos.

Una de las primeras y más renombradas colecciones de grabados de Piranesi fueron sus Prisiones (Carceri d’Invenzione, 1745-1760), en donde transformó las ruinas romanas en fantásticos y desmesurados calabozos dominados por enormes y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte. Estos grabados ejercieron una enorme influencia en el romanticismo del siglo XIX, jugando también un destacado papel en el desarrollo, ya en el siglo XX, del surrealismo e incluso en los decorados para el cine de terror.

Los grabados de Piranesi, muchos de ellos de gran formato y ordenados en libros, se exportaron rápidamente a Inglaterra y otros países, a modo de souvenirs del Grand Tour, antecedente del moderno turismo cultural. Esas láminas influyeron en la arquitectura palaciega, especialmente en las casas campestres inglesas.

Muchas planchas del artista se siguieron imprimiendo hasta principios del siglo XIX y pasaron a la actual Calcografia Nazionale de Roma, fundada por el papa Clemente XII, donde aún se conservan.

Existen grabados de Piranesi en casi todas las bibliotecas antiguas de Europa. En España, destacan los fondos de la Biblioteca Nacional y del Museo de Bellas Artes de Valencia, que posee unas 880 láminas, casi todas adquiridas en el mismo siglo XVIII.

(via: wikipedia)

La primera serie de las Prisiones estuvo compuesta de 14 grabados al aguafuerte publicadas en 1750, posteriormente se realizo en 1760 una segunda edición incluyendo 2 nuevos grabados por lo que el total de la serie es de 16 láminas.

Vedute di Roma

Bookman — Sun, 17 Jul 2011 17:14:02 +0000

Muchas planchas del artista se siguieron imprimiendo hasta principios del siglo XIX y pasaron a la actual Calcografia Nazionale de Roma, fundada por el papa Clemente XII, donde aún se conservan.

(via: wikipedia)

Parte de las imágenes en muy alta resolución: aquí

Le Antichita Romane

Bookman — Sun, 17 Jul 2011 15:00:11 +0000

Muchas planchas del artista se siguieron imprimiendo hasta principios del siglo XIX y pasaron a la actual Calcografia Nazionale de Roma, fundada por el papa Clemente XII, donde aún se conservan.

(via: wikipedia)

(La web original de donde obtuve estas imagenes parece caída desde hace tiempo, por eso solo he podido conseguir el primer tomo y parte del segundo. Si alguien conoce alguna biblioteca digital donde pueda obtenerse entero, le agradezco la ayuda)

Ilustraciones de Kay Nielsen

Bookman — Sun, 05 Jun 2011 23:59:22 +0000

Kay Nielsen (1886-1957) fue un ilustrador danés muy popular a principios del siglo 20, la “edad de oro de la ilustración”, que duró desde el momento en que Daniel Vierge y otros pioneros desarrollaron la tecnología de impresión hasta el punto de que los dibujos y las pinturas pudieron ser reproducidos con razonable facilidad, se incorporó a las filas de Arthur Rackham y Edmund Dulac en el disfrute del éxito de la ilustración de libros de las primeros años del siglo 20. Esta moda duró hasta aproximadamente el final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los cambios económicos hicieron más difícil obtener un beneficio razonable de los libros ilustrados.

via: odisea2008

Selección de obras de ilustraciones Nielsen, de los libros East of the sun and west of the moon : old tales from the North, y de Hansel and Gretel and other stories por odisea2008:

Los libros completos: aquí y aquí

Web sobre las ilustraciones de Nielsen: aquí